11 obras maestras que solo puedes ver en Milán

Desde pinturas y frescos renacentistas hasta símbolos icónicos de la historia italiana moderna, viaje a través de las obras maestras de las colecciones de arte permanentes de Milán.

La Virgen del libro de Sandro Botticelli (c. 1480) en el Museo Poldi Pezzoli

A pesar de que su obra más conocida, El nacimiento de Venus (mediados de la década de 1480), presenta figuras mitológicas griegas, la obra de Sandro Botticelli se ocupa principalmente de la iconografía cristiana. Hombre profundamente religioso, participó en el evento de 1497 conocido como la Hoguera de las Vanidades, durante el cual destruyó en un incendio sus propias pinturas con temas paganos. Madonna of the Book, una de las tres Botticellis que se exhiben en Milán, representa a una María pensativa sosteniendo al niño mientras lee un libro devocional. Su túnica de lapislázuli brilla con la calidez del cielo crepuscular que emana de la ventana mientras el joven Jesús mira hacia arriba con admiración. La pintura tipifica el período de madurez de Botticelli, marcado por una plácida quietud que luego es reemplazada por una intensidad de fe.

Leonardo da Vinci 'La última cena' (1498) en Chiesa Santa Maria delle Grazie

Leonardo da Vinci ‘s La última cena es una de las imágenes más perdurables en el canon occidental. El mural se encuentra en el refectorio de Chiesa Santa Maria delle Grazie (Santa María de Gracia), declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Una escena dramática, presenta a los 12 apóstoles de Jesús reaccionando a la noticia de que uno de ellos lo traicionará. Usando técnicas avanzadas en perspectiva, Leonardo agrega profundidad adicional al permitir que cada actor tenga su propia respuesta emotiva. Pedro parece enojado y Juan desmayado, mientras que Judas tiene su rostro en la sombra. Desafortunadamente, la pintura física no ha perdurado tan bien como su reputación. Pintado aplicando tempura sobre yeso seco, La Última Cena se desvió de las técnicas tradicionales de fresco, que permitieron un nivel notable de detalle, luz y sombra, pero hicieron que la pintura se descascara pocas décadas después de su finalización. Ha sido restaurado en numerosas ocasiones a lo largo de los años y ha sobrevivido al abandono, las guerras napoleónicas y los bombardeos nazis. Los visitantes solo son admitidos cada 15 minutos, con una capacidad máxima de 30 personas en un momento dado, pero un viaje a Milán no está completo sin ver esta obra maestra.

'Las bodas de la Virgen' de Rafael (1504) en la Pinacoteca de Brera

Las bodas de la Virgen ejemplifican la incomparable visión y exactitud de la composición de Rafael, y es conocida como uno de los mejores ejemplos de la pintura en perspectiva del Renacimiento italiano. Mientras que el primer plano del lienzo representa la escena del matrimonio titular, el uso de la perspectiva de Rafael hace que el templo en el fondo sea el verdadero foco de la obra. La arquitectura del templo de 16 arcos muestra la influencia del destacado arquitecto renacentista Donato Bramante, así como del pintor Piero della Francesca. Cada elemento de Las bodas de la Virgen se ejecutó de acuerdo con un orden matemático, y la tecnología infrarroja reciente ha revelado una densa masa de líneas que convergen en la puerta del templo. Estas líneas siguen las recomendaciones del tratado de Piero anterior a 1500De Prospectiva Pingendi (Sobre la perspectiva de la pintura). Posteriormente, es conveniente que pueda ver el cuadro de Rafael junto al altar Montefeltro de Piero en la Pinacoteca di Brera. Este maridaje destaca las tradiciones compartidas de dos artistas que iniciaron su práctica bajo la perspectiva de las tradiciones de la ciudad de Urbino.

'Pietà Rondanini' de Miguel Ángel (1564) en el Museo Pietà Rondanini, Castello Sforzesco

Pieta Rondanini es la última creación del maestro renacentista Miguel Ángel. La escultura de mármol blanco retoma el tema del duelo de María por el cuerpo demacrado del Cristo muerto, al que el artista se había acercado por primera vez en su Piedad de 1499. María sostiene a Cristo en un abrazo amoroso y las figuras alargadas casi parecen fundirse entre sí. La talla nunca se terminó, pero la sencillez del trabajo es inquietantemente hermosa.

'Cena de Emaús' de Caravaggio (1606) en la Pinacoteca de Brera

Cena en Emaús (1606) es una adaptación de un tema que Caravaggio intentó por primera vez cinco años antes en una pintura del mismo nombre, que se exhibe en la National Gallery de Londres. Se cree que este segundo intento fue creado mientras el pintor estaba en el exilio por cargos de asesinato. La imagen representa la escena bíblica cuando Jesucristo, resucitado, se revela a dos de sus discípulos. La obra es un testimonio del dominio de la luz de Caravaggio, con un claroscuro dramático, la técnica que ayudó a innovar que contrasta luces audaces con sombras, subrayando la intensidad de este momento sagrado. Esta última versión generalmente se considera la verdadera obra maestra debido a su atmósfera elevada y mayor sentido de intimidad.

Canaletto's 'The Pier Towards Riva degli Schiavoni With the Column of Saint Mark' (antes de 1742) en la Pinacoteca, Castello Sforzesco

Canaletto fue un virtuoso de la escuela de pintura veneciana de Italia, y esta representación de la laguna en la Plaza de San Marcos en Venecia es una obra maestra atmosférica. El inmenso detalle y la profundidad de la obra capturan a la perfección el bullicio de la vida en la ciudad y rinden homenaje al esplendor del monumento y el palacio de la plaza. Canaletto alcanzó este nivel de realismo con la ayuda de una cámara oscura, un paso temprano en lo que se convertiría en la invención de la fotografía.

La laguna y la plaza de San Marcos fueron un tema favorito del artista y pintó varias otras variaciones, incluido El muelle hacia la casa de la moneda con la columna de San Teodoro, que muestra la plaza desde el lado opuesto. En la Pinacoteca de Castello Sforzesco tiene la rara oportunidad de ver las dos pinturas una junto a la otra. Ambas obras todavía se encuentran en los marcos dorados desde el momento de su puesta en servicio en 1742. También en Milán (en la Pinacoteca di Brera) está la Vista de Canaletto del Gran Canal mirando hacia la Punta della Dogana (1740-1745).

'El beso' de Francesco Hayez (1859) en la Pinacoteca di Brera

Posiblemente el cuadro más famoso de Francesco Hayez, El beso es emblemático de un breve período de optimismo y sentido de libertad en la joven Italia que surgió de la Segunda Guerra de Independencia. La obra se dio a conocer en la Exposición Brera de 1859, poco después de que Víctor Manuel II y Napoleón III entraran en Milán. Se dice que el abrazo apasionado entre un soldado y una doncella simboliza el amor por la patria y el entusiasmo por la vida. La escena de inspiración medieval es típica del romanticismo del siglo XIX, mientras que los suntuosos colores reflejan la formación temprana de Hayez en Venecia, donde la composición del color y el manejo de la luz eran prioridades. De hecho, los pliegues iluminados del vestido azul impregnan la escena de una sensación de serenidad. En los años siguientes, Hayez pintó varias otras versiones de El beso. (Incluido uno para él), pero el original que reside en Brera posee un significado histórico.

El cuarto poder (1898-1902) de Giuseppe Pellizza da Volpedo en el Museo del Novecento

Esta pintura es un ejemplo fundamental del realismo social de principios de siglo y marca la lucha socio-económica y política que afectó a Italia en esos años: las secuelas de la unificación, la industrialización y las luchas resultantes de las clases trabajadoras tanto urbanas como rurales. El cuarto poder es un término que se refiere a una fuerza social o política no reconocida, y eso es lo que se presenta en la pintura: el tema es la protesta pública de un trabajador (presumiblemente) en Volpedo, Piamonte, donde nació el artista. Pellizza rinde homenaje a un proletariado noble y fuerte, la masa del pueblo que avanza pacíficamente. La paleta de colores tierra de marrones, grises y verdes reconoce la pobreza de la gente, pero están bañados por la luz. El cuarto poderes el punto culminante de un largo período de estudio del artista sobre el tema de los derechos de los trabajadores y la reforma social. El poder y la presencia de esta obra maestra final se ve reforzada por la escala del lienzo, que es un monumental 283 cm x 500 cm (111 pulgadas x 197 pulgadas).

'Elasticidad' de Umberto Boccioni (1912) en el Museo del Novecento

El futurismo, el movimiento en el que Umberto Boccioni jugó un papel fundamental, fue concebido como una fuerza de innovación tanto artística como política. No fue solo una renovación de la forma artística, sino una misión de rejuvenecimiento cultural y social. La ideología futurista nació del descontento en las últimas décadas del siglo XIX, cuando Italia se quedó atrás en la lucha imperial y el desarrollo moderno de Europa. El manifiesto del grupo de 1910, coescrito por Boccioni, declaraba: “A los ojos de otros países, Italia sigue siendo una tierra de muertos, una gran Pompeya, llena de sepulcros. Pero Italia está renaciendo. Su resurgimiento político será seguido por un resurgimiento cultural”. Elasticidad de Boccionida forma pictórica a este sentimiento inquebrantable. La obra es un homenaje a la modernización industrial: un caballo musculoso carga hacia el futuro, hay fábricas en el horizonte y los aparatos de construcción de metal emergen de las columnas de humo. Boccioni tomó prestados los planos cubistas de Paul Cezanne y Georges Braque para transmitir movimiento y un estado de flujo. En Elasticity, las formas geométricas coloridas crean un dinamismo cautivador. Junto con la escultura de bronce a gran escala Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), también en la colección del Museo del Novecento, Elasticity es una de las obras más importantes de Boccioni y no debe perderse.

Ciclo de frescos (1500) en Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore

En la Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore, un monasterio benedictino de Milán, hay un ciclo de frescos tan impresionante que recibe el sobrenombre de "La Capilla Sixtina de Milán". El espectacular interior marca la evolución de la pintura en Lombardía a lo largo del siglo XVI, con contribuciones de Bernardino Luini y sus hijos Aurelio, Evangelista y Giovan Pietro; Boltraffio; y Simone Peterzano.

La colección permanente de diseño italiano en el Triennale Design Museum

En una ciudad tan sinónimo de diseño, sería un error no rendir homenaje a las numerosas obras maestras del diseño italiano. El Museo del Diseño en el espacio de arte contemporáneo Triennale Milano alberga una colección permanente de 1.600 objetos de diseño italiano, desde 1927 hasta la actualidad. Este conjunto de objetos icónicos (tan variado como una motocicleta Galletto de 160 cc de 1950 y una lámpara Artemide de 1967) es un testimonio de la innovación y el estilo de las mentes creativas de la nación, así como un mapa de los cambios culturales e industriales en el país.